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인터뷰edmAncient Methods: "음악은 더 이상 중심이 아니다, 시각적 쇼맨십이 그 자리를 차지했다"
손끝에 모든 것이 닿는 세계에 오신 것을 환영합니다. 거의 모든 것이 공개적으로 기록되는 테크노의 시대. 공개적으로 기록된 대부분의 것들이 무료로 제공되는 시대. 그리고 콘텐츠의 소비 — 어떤 콘텐츠든, 모든 콘텐츠든 — 는 탐욕스러운 수준의 폭식에 이르렀습니다. 그 콘텐츠의 내용은 어떨까요? 얼마나 많은 것들이 현장에 있었음을 증명하기 위한 목적으로 만들어지고 있을까요? 어떤 순간을 미래의 (재)감상을 위해 포착하려는 그 행위가, 실제로 그 찰나의 순간에 능동적으로 참여하는 것을 얼마나 자주 방해하고 있을까요. 1967년 비평 이론가 기 드보르(Guy Debord)는 이에 대한 예언을 썼습니다. 바로 《스펙터클의 사회(The Society of the Spectacle)》입니다. 이 책은 모든 것을 상품화하고, 존재를 상품으로, 경험을 마케팅의 먹잇감으로 전락시킨 문명의 음울한 초상을 그렸습니다. 요약하자면 이렇습니다. 한때 직접 살아졌던 모든 삶은 이제 살아진 삶의 단순한 재현이 되어버렸다. 21세기 초, 그리고 이제 중반으로 접어들면서 우리가 목격해온 수많은 사회문화적 현상들은 그 경고를 반영하며, 전자음악계 진정한 아나코-펑크 중 한 명인 Ancient Methods의 최신 EP를 탄생시키는 촉매가 되었습니다. 일곱 곡으로 구성된 이 EP는 각각 디스토피아적 전자음악 미학으로 가득 차 있습니다. 최면적인 신스 훅, 복잡한 퍼커션, 그리고 묵직한 킥으로 이루어진 'Cache la Misère'는 불에 탄 대지와 산업 폐허 속에서 생존자를 찾아 헤매는 이미지를 불러일으킵니다. 보컬리스트 Night In Athens를 맞이하는 'Burn The Frame'에는 미니멀한 다크 웨이브가 지배합니다. 첫 번째 트랙 'Image Is My Commodity'는 폭풍의 눈 속 같은 부서진 분위기로 공세를 시작합니다. 짧은 스포큰 워드 인터루드들이 전체를 하나로 묶으며 콘셉트를 강조합니다 — 드보르의 221개 단락으로 구성된 논제들을 음악적으로 해석한 작품입니다. 이 프로젝트가 언제 시작되었는지 묻자, Ancient Methods, 즉 Michael Wollenhaupt가 답했습니다. Michael: "아마 2년 전쯤 그 책을 다시 읽고 있었는데, 테크노 씬이 이미 그 시절부터 책의 개념들을 얼마나 전형적으로 구현하고 있었는지에 놀랐어요. 그것이 책의 가장 인상적인 성찰 몇 가지를 라디오 드라마 형식의 레코드로 각색하게 된 출발점이었습니다." 《스펙터클의 사회》는 이 아티스트의 마지막 릴리스로부터 3년 만에 나왔습니다. 낮 직장, Persephonic Sirens 레이블 운영, 매주 이어지는 클럽 공연 준비 등 다른 일들이 워낙 많았기 때문에 이 작업에만 그 모든 시간을 쏟을 수는 없었습니다. 그럼에도 그 타이밍은 더없이 적절하게 느껴집니다. 전자음악 산업이 Instagram 클립과 TikTok 영상을 통해 온라인 관심 경제라는 현재의 초점에 더욱 집착하고 있는 시점이기 때문입니다. 예술이나 실제 아티스트십을 플랫폼에 올리거나 청중이 음악에 집중하게 만드는 데는 아무런 역할도 하지 못하면서, 오히려 오락을 위해 다듬어진 개성들을 기념하고 수익화하는 소셜 미디어 우선 엔터테인먼트. 새 릴리스가 사실상 더 많은 공연 예약을 유도하기 위한 마케팅 도구로 활용되는 현상 — 스트리밍의 부상과 함께 발전한 매우 노골적인 형태의 상품화 — 에 대해 물었습니다. 그러나 Wollenhaupt에 따르면, 그가 드보르 '각색'을 작업하는 동안 우리는 그마저도 이미 넘어서버렸습니다. 그리고 이 패러다임의 전환은 실제로 음악을 만들고 발표하는 행위와 씬에서의 '성공'에 대한 인식 사이에 어떤 연결 고리가 남아 있는지에 대한 의문을 제기합니다. Michael: "몇 년 전만 해도 릴리스는 실제로 공연을 위한 다소 효과적인 마케팅 도구였다고 생각해요. 하지만 제 관점에서 마케팅 도구로서의 중요성은 급격히 감소했고, 적어도 테크노 씬에서는 — 아티스트 중심 문화에서 엔터테인먼트 중심 문화로 상당 부분 진화한 — 릴리스가 이제 다른 도구들에 비해 거의 아무런 역할도 하지 못한다고 말하고 싶어요. 무엇보다도 온갖 종류의 콘텐츠를 담은 소셜 미디어 채널의 폭발적인 사용이 그 자리를 차지했죠. 음악이 더 이상 중심에 있지 않고, 오히려 시각적인 쇼맨십이 그 자리를 차지했습니다. 라이브 테크노 자체의 가치 하락과, 클럽이나 레이브 경험이 어떠해야 하는지에 대한 인식과 기대를 바꾸고 왜곡하는 환원적인 온라인 영상의 위협에 대해 물었습니다. 엔터테이너들이 음악으로부터 근본적으로 소외되는 현상은 다른 많은 현상에서도 드러나는 음악의 전반적인 평가절하와 궤를 같이합니다. 예를 들어 라이브 액트는 수년 동안 잘 큐레이팅된 클럽 나이트의 정의적인 특징이었어요. 이제 그런 것들은 좀처럼 찾아보기 어렵고, 라이브 쇼에서 자신의 릴리스를 선보일 수 있는 엄청나게 재능 있는 수많은 아티스트들이 DJ 세트를 거부하면 공연 자체를 잡지 못하는 상황이 됐습니다." 그렇다면 과거에 커뮤니티, 문화, 그리고 특히 대항문화가 그랬던 것처럼 이에 맞서는 것이 가능할까요? 사회를 하나로 묶는 연결 고리가 표면적 연결의 설치로 인해 마모되고 심지어 끊어졌다면, 유기적 뿌리와 네트워크가 합성 광케이블로 대체되어 어떤 새로운 아이디어, 운동, 혹은 사운드든 즉각 전 세계로 퍼져 나가 흡수당하기 쉬운 상황이 된다면, 균질화된 공허한 '메인스트림' 외에 다른 무언가가 존재할 수 있을까요? Michael: "'대항문화'의 격동적인 역사를 감안하면 이 질문에 명확한 답을 제시하기가 쉽지 않아요. 아무리 모호한 정보라도 항상 클릭 몇 번으로 닿을 수 있는 시대에도, 특정 콘텐츠와 무관하게 독자적으로 설 수 있고 지배적인 시대정신의 유행하는 트렌드를 견뎌낼 수 있는 문화적 대안을 만드는 것은 가능하다고 믿습니다. 그러한 대안적 콘텐츠가 쉽게 이용 가능하고, 가시적이며, 모두에게 접근 가능하더라도 해롭지 않다고 생각해요. 대안적 문화 집단은 어쩌면 엘리트주의와 스스로를 구별하고 다른 대안적 문화 집단들과 다리를 놓아야 할 것입니다. '대항문화'에 대한 가장 큰 오해는 아마도 '대항 문화' 자체의 용어나 실질적인 이해에 있을 것입니다. 바로 이 '반대'에 대한 강조가 문화적 집단을 주로 양극화와 경계 짓기를 통해 정의하는 현재의 시대정신에 이용당하게 됩니다. 나아가 '반(反)메인스트림/기득권'이라는 포괄적인 입장과 결합된 활동가적 어조는 실질적인 구분의 부재로 이어지고, 운동을 어떤 종류의 흡수에도 취약하게 만들어요. 이는 대항문화의 역사 전반에 걸쳐 명확하게 드러나는 현상입니다." 간단히 말하자면, 숲속에서 파티가 열렸는데 아무도 그것을 촬영하지 않았다면, 문제는 그 파티가 존재했느냐가 아니라 도대체 어떻게 그 파티를 찾아서 참여하느냐입니다. Wollenhaupt에 따르면, 핵심은 상품화된 먹잇감에 맞서는 진정한 예술과 커뮤니티의 사례들을 자연 속에서 식별할 수 있는 것입니다. 그리고 그것을 위해서는 테크노, 클럽, 레이브 씬이 탄생 이래 정의해온 핵심 원칙들과, 그에 필적하는 수많은 언더그라운드 및 아방가르드 문화들을 기억해야 합니다. Michael: "'대항문화', '대안' 또는 '독립' 문화, '하위문화' 중 어떤 표현을 쓰든, 문화 영역이 표현되는 형태에 상관없이, 대항문화 운동 초창기의 원래 아이디어를 항상 염두에 두어야 합니다. 바로 사상의 자유와 자아실현이죠. 그러나 고독하고 반위계적인 공동체 안에서도, 진정한 문화적 풍요는 메인스트림 문화와 대항문화 사이의 헤게모니적 진동이 아니라, 다양성 — 서로 다른 문화들이 공존할 수 있는 능력 — 에서 비롯된다고 저는 확신합니다." Martin Hewitt *원문 참조: https://www.juno.co.uk/junodaily/2026/05/28/ancient-methods-interview-music-no-longer-takes-centre-stage-but-rather-a-visual-showmanship/*
인터뷰edmTomorrowland 공동창립자 Michiel Beers, 메인스테이지 화재와 SFX 인수 시도를 말하다
20년 넘게 Tomorrowland의 신비로운 거물 Michiel Beers는 엄격한 "사진 금지, 비디오 금지, 인터뷰 금지" 정책을 고수하며, 자신의 페스티벌 군중 속에 완전히 인식되지 않은 채 자연스럽게 섞여 들어왔다. 하지만 브뤼셀의 Ancienne Belgique에서 네덜란드 음악 팟캐스트 De Machine을 위한 드물고 깊이 있는 라이브 녹음에서, Beers는 20년간의 침묵을 깨뜨렸다. 악명 높은 2025년 메인스테이지 화재 뒤의 절대적인 혼돈부터 미국 억만장자들과의 거칠고 우스꽝스러운 대결까지, Beers는 세계 최고의 댄스 뮤직 페스티벌의 내부 작동 방식을 낱낱이 공개했다. 인터뷰에서 나온 가장 폭탄적인 내용들을 소개한다. 2025년 Tomorrowland 메인스테이지를 무너뜨린 참사는 단연 그해 가장 많이 회자된 페스티벌 재해였다. 소문이 무성했지만, Beers는 처음으로 사실을 바로잡았다. 전체 재해는 인적 오류로 귀결됐다. 원인은 스테이지의 화염방사기를 위해 에탄올을 분사하는 특수효과 장치의 연결 불량이었다. Michiel: "많은 에탄올이 온갖 재료에 새어나왔고, 그것이 불을 붙였어요. 모든 것이 불타는 속도는 환각적이었습니다. 강철 구조물이 완전히 녹아서 휘어졌는데, 강철은 섭씨 1,200도에서만 녹습니다. 40분 안에 전체 스테이지가 사라졌어요." 화재는 약 3천만 유로의 피해를 입혔고, 수백만 달러 상당의 맞춤 장식, 비디오 패널, 조명, 레이저, 사운드 시스템을 전소시켰다. Tomorrowland는 여전히 책임자들에게 책임을 묻기 위한 법적 분쟁을 진행 중이다. 완전한 파괴에도 불구하고, 페스티벌은 불가능한 일을 해냈다. 단 36시간 만에, 크루들은 밤낮으로 작업하여 녹은 강철을 치우고 재에서 새로운 대체 스테이지를 세웠다. 이 물류적 구조작업은 벨기에에서 가장 큰 망원경 크레인을 안트워프 항구에서 세 대의 거대한 초대형 평판 트럭을 통해 가져오는 것이 필요했다. 크루는 이를 조작할 수 있는 국내 유일한 크레인 조작자를 찾아야 했는데, 그는 문자 그대로 프랑스에서의 휴가에서 급히 불려와 한밤중에 진흙투성이 페스티벌 부지로 장비를 후진시켰다. 놀랍게도, 화재는 이상한 부작용을 가져왔다. Michiel: "제가 이런 말을 하는 것이 이상하지만, 정말로 Tomorrowland에게는 역대 최고의 마케팅이었어요. 뉴질랜드와 캐나다 사이의 모든 곳에서 갑자기 뉴스에 나오게 된 거죠." 숫자가 모든 것을 말해준다. 티켓 판매 등록자 수가 2025년 에디션의 160만 명에서 2026년 무려 330만 명으로 급증했다. 2010년대 초 EDM 붐 동안, 미국 엔터테인먼트 거물 Bob Sillerman은 자신의 회사 SFX 산하에서 전체 일렉트로닉 뮤직 섹터를 사들이기 위한 전쟁에 나섰다. Beers는 Tomorrowland의 매각 거부를 확정짓게 한 브로드웨이에서의 초현실적인 15분 미팅을 회상했다. Michiel: "우리는 거대한 유리 테이블이 있는 회의실로 걸어 들어갔어요. 갑자기 세 명의 노인이 팔짱을 끼고 들어왔는데, 가운데 있는 사람이 빨간 머리를 하고 있었어요. 스키 리조트에서 살 수 있는 그런 가발 말이에요. 그는 그 유리 테이블 한가운데 누워버렸죠." 인후암을 앓고 있던 Sillerman은 거칠고 전자적인 음성 상자로 말했다. Beers는 그가 다스 베이더와 똑같이 들렸다고 언급했다. 형제들에게 한 그의 메시지는 간단했다. Sillerman: "당신들은 나를 두 번 보게 될 거야. 오늘, 그리고 내가 당신들 회사를 위해 큰 수표를 쓰는 날에." 형제들은 아래층으로 내려가서 즉시 SFX와는 아무 관련도 맺고 싶지 않다고 결정했다. Sillerman이 결국 그들의 전 파트너 ID&T를 인수함으로써 Tomorrowland의 지분을 간접적으로 사들였지만, Beers 형제들은 몇 년 전 공증인 사무소에서 문자 그대로 연필로 갈겨 쓴 단 하나의 중요한 문장 때문에 절대적인 투표권을 교묘하게 유지했다. 바로 "지주회사 수준까지"였다. Michiel의 직감은 예언적이었다. SFX는 결국 파산했고, Tomorrowland는 파트너 회사를 Tomorrowland의 마법에 참여시키는 것에 대한 어려운 교훈을 얻었다. 회사는 이 사가에 대해 너무나 조심스러워서 2025년에서야 Tomorrowland가 미국에서 Insomniac과 훨씬 제한적인 범위에서 협력하여 CORE Festival을 LA에 가져오기 시작했다. 오늘날 Tomorrowland는 완전히 독립적이며 Michiel과 Manu Beers가 운영하는 가족 기업으로 구조화되어 있다. 그들은 창작의 자유를 보호하기 위해 거대한 지불금을 거절하는 것을 자랑스럽게 생각한다. Michiel: "우리에게는 외부 투자자가 없어요. 당신은 회사를 많은 돈에 팔 수 있지만, 우리가 하는 일은 또한 우리가 매일 진심으로 사랑하는 일이기도 해요. 우리에게 그것은 팔 수 없는 것입니다. 우리는 정말로 아주 오랫동안, 아니면 영원히 독립을 유지하고 싶어요. 왜냐하면 그것이 우리의 꿈을 계속 이루어나가는 데 매우 중요하다고 생각하기 때문이에요." 그 독립성은 Tomorrowland가 미지의 영역으로 확장할 수 있게 해준다. Beers는 그들의 현재 궤도를 농담삼아 "역방향 해리포터"라고 부른다. 책이 테마파크가 되는 대신, 그들의 페스티벌 세계는 50명으로 구성된 내부 창작 소설 부서를 탄생시켰다. 그들은 페스티벌 테마와 직접 연결된 판타지 소설 3부작을 공식적으로 출시했고, 심지어 아민 반 뷰렌(아민 반 뷰렌)을 한 시간 반 동안의 전화 통화에 참여시켜 그들의 소설 작가들에게 캐릭터가 거대한 공연의 심리적 압박을 어떻게 다룰지에 대해 코칭하게 했다. 판타지 설정을 꿈꾸지 않을 때, Beers는 법정에서 싸우고 있다. 인터뷰 바로 그 오후에, 그는 2020년부터 진행 중인 법적 분쟁을 위해 안트워프의 법정으로 향했다. 문제는? Alpe d'Huez에서의 Tomorrowland Winter 2020이 완전히 구축되었을 때(아프로잭(아프로잭)이 문자 그대로 스키복을 입고 있었을 때) COVID-19로 인해 폐쇄가 강제되었다는 것이다. 페스티벌의 보험회사들은 2020년 1월에 팬데믹을 제외하는 조항을 교묘하게 업데이트했지만, Tomorrowland가 WHO가 공식적으로 글로벌 팬데믹을 선언하기 3일 전에 취소했기 때문에, 페스티벌은 정당한 지급금을 청구하기 위해 싸우고 있다. Tomorrowland가 두 번 파산했던 초기 시절과 "Mysteryland"라는 이름을 박탈당한 막판 전화가 어떻게 댄스 뮤직 역사상 최고의 실수가 되었는지에 대한 더 놀라운 이야기들은 VPRO 3voor12의 전체 인터뷰에서 확인할 수 있다. *이 인터뷰는 2026년 5월 29일에 EDMTunes에 게시된 원문을 한국어로 번역한 것입니다. [원문 보기](https://www.edmtunes.com/2026/05/tomorrowland-co-founder-rare-interview-mainstage-fire-sfx/)*
인터뷰edmproppaganda, "물 속 상어와 DJ하고 브라질 열기구에서 베이스점프한 이유"
proppaganda를 둘러싼 이야기에는 쉽게 말할 수 있는 버전이 있다. 캘리포니아 DJ가 상어와 함께 물속에서 공연하고, 브라질 상공을 날아가는 열기구에서 베이스점프를 한다. 영상이 바이럴되고, 댓글에서는 AI인지 묻고, 알고리즘이 이 스펙터클에 보상을 준다. 하지만 Bry Stevens와 시간을 보내다 보면 이런 스턴트는 거의 부차적인 것임이 명확해진다. 진짜 이야기는 힙합 비트, 베이스 뮤직 실험, 하우스와 테크노에 대한 가족의 사랑이 천천히 소화되어 마침내 집 같은 느낌으로 변해가는 10년간의 조용한 작업이다. 2025년 초 그가 퍼블리시 버튼을 눌렀을 때, 그것은 올바른 순간을 찾았기 때문이 아니라 마침내 올바른 사운드를 찾았기 때문이었다. 이제 데뷔 믹스테이프 'Aerial Sessions: 001'이 완전히 공개된 가운데, 우리는 프로덕션 과정, 장르 유동성의 비용, 2026년 독창성이 실제로 어떤 모습인지, 그리고 앞으로의 계획에 대해 이야기하기 위해 proppaganda와 만났다. 캘리포니아는 데저트 테크노 서킷, 웨스트코스트 하우스, Dirtybird 시대 등 매우 특별한 댄스 뮤직 정체성을 가지고 있습니다. LA에서 생활하고 작업하면서, 그런 DNA의 어떤 부분이 실제로 당신의 프로덕션에 나타나는지, 그리고 의식적으로 무엇에 맞서고 있는지요? proppaganda: "내 사운드는 미니멀해지는 것과 계속 반복되어온 것들에 맞서려고 끊임없이 노력하고 있다고 생각해요. 공식이 있고 효과가 있는 것을 하는 데서 큰 성공이 나온다는 걸 이해하지만, 내 뇌는 안전하게 가는 것을 즐기도록 허용하지 않아요. 올드스쿨 웨스트코스트 랩 샘플과 스탭, 신스를 사용하는 걸 좋아하지만, 그 외에는 LA 사운드가 내가 프로듀싱하는 방식에 큰 영향을 주지 않아요." 'Aerial Sessions: 001'의 특정 트랙을 DAW 레벨에서 설명해주세요. proppaganda 레코드는 실제로 어디서 시작되나요? 코드, 퍼커션 루프, 애시드 라인, 샘플? 세션에서 첫 5분은 어떤 모습인가요? proppaganda: "드롭 섹션부터 작업하는 것을 정말 선호해요. 32마디 루프를 만들고 최대한 많은 것을 넣으려고 해요. 드롭에서 요소들을 가져다가 벗겨내고, 인트로/빌드/브레이크다운 섹션에 넣는 것이 더 쉽다고 생각해요. 귀가 좀 피곤해진 후에 블렌드할 무언가를 찾는 것보다는 믹스에 도움이 되지 않는 것들을 빼는 것이 훨씬 쉬워요." 공개적으로 무언가를 발표하기 전에 거의 10년 동안 음악을 만들어왔습니다. 그 사적인 10년은 실제로 어떤 사운드였나요? 아무도 들어보지 못한 전체 장르들이나 별명들이 있었나요? 그리고 2025년 초에 마침내 퍼블리시 버튼을 누르게 만든 변화는 무엇이었나요? proppaganda: "다른 사람들의 프로젝트를 프로듀싱하거나 참여했다는 소문들이 몇 개 돌고 있는데, 그건 계속 소문으로 남겨두고 추측에 맡기겠어요, 하하. 힙합 비트부터 시작해서 베이스 뮤직을 만들었어요. 우리 가족은 네덜란드 출신이고 항상 하우스와 테크노에 대한 큰 사랑을 가지고 있었어요. 테크노, 프로그레시브 하우스, 테크 하우스, 힙합이 프로덕션 면에서 내가 속한 곳이라는 걸 확신하는 데 영원히 걸렸어요. 이것들이 나를 가장 살아있게 만들고 자연스럽게 나와요." 언젠가는 결속력 있는 사운드를 가지지 않을 수도 있다고, 어느 날은 하우스를 드롭하고 다음 날은 테크노를, 결국에는 트랩이나 덥스텝도 할 수 있다고 언급하셨습니다. 레이블과 알고리즘이 장르 일관성에 보상을 주는 씬에서, 유동성의 실제 비용에 대한 당신의 관점은 무엇인가요? A&R들이 당신을 정의내릴 수 없어서 잃은 기회들이 있나요? proppaganda: "맞아요. 나에게는 라이브 세팅에서만 믹스업할 거예요. 지금은 일관성 있고 매우 세련되며 말이 되는 사운드를 기대할 수 있어요. 언젠가 내가 드롭하고 싶은 것은 무엇이든 드롭할 특권을 얻고 싶어요. 스크릴렉스(스크릴렉스)가 가장 잘 해내고 있죠." 영향을 받은 아티스트 목록에 Adam Beyer, Sara Landry, Gesaffelstein, Dom Dolla, Odd Mob를 언급했는데, 꽤 다양한 아티스트들이네요! 각각으로부터 훔친 특정한 기술적 요소 하나씩을 말한다면 무엇일까요? proppaganda: "그들이 나에게 그렇게 많은 영감을 주는 진짜 이유는 모두 자신만의 사운드를 가지고 있기 때문이라고 생각해요. 눈을 감고 누군가가 누가 연주하고 있는지 물어본다면, 명확하게 누구인지 말할 수 있을 거예요. Adam Beyer의 클래식 신스가 수년간 나에게 영감을 줬고, Sara의 라이브 믹싱 스타일, Dom Dolla의 순수한 소스와 그의 쿨함이요." 2026년에 독창성은 실제로 어떤 모습이고, 언더그라운드에서 누가 진정으로 그것을 해내고 있다고 생각하나요? proppaganda: "솔직히, 부트렉과 리믹스가 여전히 모든 것을 지배하고 있는 것 같아요. 2026년에 독창성이 어떤 모습인지 모르겠어요. 팬들은 그것을 좋아하고, 아티스트들은 효과가 있는 것을 만들려고 하니까 효과가 있는 것을 그냥 해요. 하지만 사람들이 자신만의 콘텐츠 스타일과 오리지널 음악 만들기에 집중하는 날들을 간절히 기다리고 있어요." Sonar Sessions 라이브스트림 컨셉에 대해 묻지 않고는 인터뷰를 마칠 수 없습니다. 상어와 함께 물속에서, 그리고 브라질 열기구에서 DJ를 해냈는데, 다음에는 무엇을 기대할 수 있을까요? proppaganda: "이렇게만 말할게요... 대의를 위한 군용기, 하늘의 더 많은 열기구들, 물속의 더 많은 상어들, 그리고 아마도 몇몇 대형 익스트림 스포츠 브랜드들이 이 모든 것을 라이브스트림하는 데 참여하는 것. 내가 방금 징크스를 걸지 않았기를 바라요." 지켜보겠습니다! 대화 감사합니다. proppaganda: "시간 내주셔서 정말 감사합니다!" *이 인터뷰는 2026년 5월 21일에 When We Dip에 게시된 원문을 한국어로 번역한 것입니다. [원문 보기](https://whenwedip.com/2026/05/interview-proppaganda/)*
인터뷰edmLuke Slater, "클럽 사운드시스템에서 듣는 것처럼 음악이 들리기를 원한다"
Luke Slater만큼 오랫동안 댄스 뮤직 업계에 있었다면, 좋은 클럽 사운드시스템에 대해서는 잘 알고 있을 법하다. 진정한 오디오파일인 Slater는 L.B. Dub Corp라는 덥 테크노 지향적인 가명과 오랫동안 사용해온 Planetary Assault Systems라는 가명을 포함해 여러 별칭으로 활동하면서, 오직 고품질 사운드에만 동기를 부여받는다. "모든 것은 느낌에 관한 것입니다. 사운드시스템이 수년에 걸쳐 발전하면서, 그것이 제가 음악을 만드는 방식에 영향을 미쳤어요." 영국 테크노의 거장은 이제 그 영향을 스튜디오로 가져가고 있으며, 특히 그의 오랜 협력 레이블인 Ostgut Ton을 통한 최신 릴리스에서 이를 보여준다. Ostgut Ton은 Berghain의 레이블 부문이다. Planetary Assault Systems 별칭으로 발매된 'Planetary People'에서 Slater는 총 13트랙에 걸쳐 테크 중심의 퍼포먼스를 통해 수집된 라이브와 즉흥 사운드를 탐구하고 있다. 정교한 신스 작업과 급박한 퍼커션이 가미된 폴리리듬 테크노를 융합한 이 작품은, Slater처럼 사운드에 집착하는 사람에게서 기대할 수 있는 포괄적이고 최면적인 릴리스다. 'Planetary People' 발매를 기념하여, 우리는 테크노의 거장을 만나 새 앨범과 그 영향에 대해 더 자세히 알아보았다. 여름 일정은 어떻게 되나요? Luke: "바쁘네요! 앨범 런칭이 있고 그 다음에 여러 쇼들이 예정되어 있어요. 하지만 저는 이런 걸 좋아해요. 투어링이 지겹지 않아요. 투어를 안 한다면 오히려 그때 지겨울 것 같아요. 이건 라이프스타일이고, 이 일을 할 거라면 100% 해야 해요. 저는 이 모든 고통을 사랑해요. 계속 나아가기 위해 채찍으로 스스로를 때리는 것처럼요." 많은 아티스트들이 투어링이 삶의 여러 측면에 부담을 준다고 말하는데, 당신처럼 오랫동안 해온 사람에게는 그냥 익숙해지는 건가요? Luke: "저는 이 일을 정말 오랫동안 해왔는데, 15년이나 20년 전에 제 인생에서 계속할 것인지 결정해야 하는 순간이 있었던 게 기억나요. 그것에 대한 제 생각을 바꿔야 했고, 계속하기로 결정했어요. 이미 하던 것보다 더 많이 투자하고 제가 하는 일에 전념하기로 했죠. 그 후로는 되돌아갈 수 없었어요. 현명한 선택이었다고 생각하고, 좋든 나쁘든 요즘은 그 선택에 정말 편안함을 느껴요. 최근에 다루기 가장 이상한 것은 세상에 온갖 일들이 일어나고 있다는 사실이에요. 그 어느 때보다 말이죠. 퍼포먼스를 하고 자신이 하는 일을 할 때 그 지식을 가지고 다녀야 하는데, 그것은 긍정적인 측면에 있는 것이고, 때로는 상당히 힘들 수 있어요. 하지만 제가 그것을 동일시하는 방식은, 제가 이 일을 하는 것은 사람들에게 좋은 것을 가져다주기 때문이라는 것이에요. 적어도 그렇게 되기를 바라고요. 그것은 지속적인 소음 밖에 있는 것이고, 저는 그 긍정성을 전달하는 것을 선호해요." 'Planetary People'은 몇 년 만에 Planetary Assault Systems 명의로 발매하는 첫 번째 솔로 정규 앨범입니다. 지금 이 별칭으로 돌아오기로 결정한 이유는 무엇인가요? Luke: "Planetary 별칭은 실제로 어디로도 가지 않았어요. 2012년부터 투어를 다니며 약간의 제2의 인생을 살고 있었지만, Planetary 앨범을 만들겠다는 의식적인 결정은 없었어요. 저는 항상 작업하고 있고, 한 번에 전체 앨범을 완성할 필요가 없다는 것을 알면서 음악 작업하는 걸 즐겨요. 라이브 쇼에서 여러 것들을 시도해서 어떻게 들리는지, 사람들이 이해하는지 확인했던 적이 많아요. 지난 1년 정도 동안 공연을 하면서 이 앨범이 그렇게 탄생했고, 갑자기 많은 트랙들이 있더라고요. 그래서 다른 Planetary 앨범을 만들어보자고 생각했어요." 'Planetary People'의 테마에 대해 말해주세요. 이걸 만들 때 무엇을 탐구하려고 했고, 과정은 어땠나요? Luke: "저는 종종 스튜디오에 잠깐 들어가서 뭔가 하고, 그냥 놔둬요. 결국 녹음들로 가득한 폴더들이 생기고, 그것들을 골라내서 조각들을 조합해요. 그것이 정말로 어떤 것이 Planetary 트랙으로 작동할 것인지를 알려주는 거예요. Planetary가 시작됐을 때, 저는 테크노 같은 초기 영향들을 받고 있었는데, 제가 내놓은 첫 번째 시리즈는 'Planetary Funk'였어요. Bootsy Collins 스타일의 70년대 펑크를 그 테크한 사운드와 결합하겠다는 아이디어가 있었죠. Planetary의 주요 아이디어는 제가 뭔가를 듣고 싶으면 제가 만들어야 한다는 것이에요. Planetary로 더 듣기 위한 앨범들과 더 머리를 쓰는 레코드들을 만들었지만, 그것이 정말로 속하는 곳은 댄스플로어예요. 다른 것으로 만들려고 시도한 적이 없어요. 작동하지 않을 테니까요. 그것은 자신만의 운명을 통제하고 있고, 아마 제가 작업한 가명 중에서 가장 인기 있는 것이라서, 자주 기대곤 해요. 쇼에 훌륭하고, 레코드 만들기에 훌륭하고, Planetary로는 사소한 것에 신경 쓰지 않아요. 모든 것은 느낌에 관한 것이에요. 트랙을 만들 때, 저는 그것이 사운드시스템 모니터가 있는 클럽에서 듣는 것처럼 들리기를 원해요. 그리고 그런 시스템들이 수년에 걸쳐 발전하면서, 그것이 제가 음악을 만드는 방식에 영향을 미쳤어요." 여기서 꽤 긴 13트랙으로 크게 나갔네요. 이 앨범을 만들고 큐레이션하고 모든 걸 조합하는 데 얼마나 걸렸나요? Luke: "오래 걸리지 않았어요! 작년 말에 Berghain에서 연주했는데, 사무실에 앉아 있었어요. 그들이 저에게 '뭔가 작업하고 있나요?'라고 물었고, 저는 항상 Planetary 작업을 하고 있지만 그때는 뭔가를 발매할 계획이 없었다고 말했어요. 앨범을 만드는 것에 대해 물어봤고, 저는 그래, 어떤 기분인지 보자고 생각했어요. 생각보다 많은 트랙이 있었고, 거의 모든 트랙을 이미 연주하고 있었기 때문에 앉아서 조합하는 것이 그리 어렵지 않았어요. 정말로 댄스플로어 지향적이고 강렬하게 만들고 싶었어요." 이 앨범에는 디테일한 신스 작업과 정말 드라이빙한 퍼커션이 많은데, 어떤 장비를 사용했나요? 셋업은 어떤 모습이었나요? Luke: "지금 보고 계시는 게 바로 그거예요! 이곳이 Space Station Zero예요. 많은 장비들이 있고, 이 중 많은 것들이 90년대 것들이에요. 절 무한히 흥분시키는 것은 트랙을 다른 박스들과 처리 과정을 거쳐서 나중에 시도해보는 것이에요. 그냥 뭔가를 거쳐가게 하는 것만으로도 트랙의 느낌과 사운드를 극적으로 바꿀 수 있어요. 실제로 엄청난 차이를 만들어내서, 결국 똑같은 트랙이지만 약간씩 다른 EQ와 컴프레션이 적용된 50개 정도의 버전이 담긴 폴더를 갖게 되죠. 어려운 부분은 어느 것이 맞는 것인지 선택하는 것이에요. 어떤 면에서는 유사 마스터링 같은 거죠. 연주할 때 원하는 정확한 사운드로 트랙이 들리도록 하려고 해요." 'Planetary People'은 스튜디오에서의 시간만큼 라이브 퍼포먼스에서도 영향을 받았다고 하는데, 그런 공연들을 어떻게 준비하나요? 아니면 대부분 즉흥연주하며 연주하면서 흐름에 따라 가나요? Luke: "쇼에서 즉흥연주가 꽤 많아요. 그렇지 않으면 항상 똑같은 것을 하는 게 정말 지겨워질 테니까요. 저는 약간 계획되지 않은 것들이 필요하다는 걸 깨달았어요. 일이 잘 풀리거나 안 풀리거나 하는 위험과 쇼에 다른 요소들을 가져오는 걸 정말 좋아해요. 댄스플로어를 잃지 않으면서 다른 것들을 도입하는 것이 흥미로워요. 쇼를 하면서 자기도취에 빠지고 싶지 않아서, 그냥 멋있게 보이려고 이것저것 건드리지는 않아요. 첫 번째 Planetary 쇼는 1995년 정도였는데, 그때는 모든 신스, 시퀀서, 303, 909, 샘플러 이펙트가 있었고, 모든 것이 라이브로 돌아갔어요. 전자 음악으로 라이브 퍼포먼스를 어떻게 할 수 있는지에 대한 진정한 교훈이었어요. 밴드 연주와는 완전히 다르거든요. 하지만 자신이 하는 일에 어느 정도 집중해야 해요. 90년대 후반에 Luke Slater 쇼를 시작했을 때는 이 무대 쇼를 만들기 위해 약 3/4톤의 장비를 가지고 투어를 다녔는데, Ableton Live 같은 것이 나왔을 때 정말 기뻤어요. 복잡한 것들을 컴퓨터가 많이 담당하는 그런 방식으로 라이브 퍼포먼스를 할 수 있다는 전망은 정말 어깨의 짐을 덜어주는 것이었어요. 하지만 일어난 일은 이벤트들이 무대를 두지 않게 되고 모든 것이 테이블탑으로 갔다는 것이에요. 사람들은 정말로 아무것도 볼 수 없어요. 보기에 좀 지루해요. 그래서 시각적 요소는 항상 저에게 중요했어요." Ostgut Ton은 정말 영향력 있는 레이블이고, 이것이 당신의 첫 번째 릴리스는 아닙니다. 왜 계속 이 레이블로 돌아오나요? Luke: "Ostgut Ton은 몇 년 동안 중단되었는데, 그 전에는 Berghain을 중심으로 한 약 3개의 Planetary 앨범을 레이블에서 냈어요. 작년 쇼 후에 사무실에서 놀고 있을 때까지 그들이 다시 시작했는지 몰랐어요. 이번에는 좀 다르지만 돌아왔다고 했어요. 전에 그들과 했던 일의 역사와 다시 할 가능성으로 봤을 때, 그냥 맞는 것 같았어요. 모든 옛날 앨범의 아트워크를 만든 Viron Erol Vert에게 다시 아트워크를 만들어달라고 부탁했고 우리가 가졌던 아이디어들을 계속하도록 했어요. 다시 돌아온 것은 좋은 기분이었어요. Ostgut Ton은 수년에 걸쳐 놀라운 레코드들을 발매해왔거든요." Luke Slater 릴리스를 정의하는 것과 PAS 릴리스를 정의하는 것은 무엇인가요? 당신의 별칭들을 어떻게 구분하나요? Luke: "Luke Slater 명의로는 실제로 많이 발매하지 않아요. 할 수도 있지만요. 많은 별칭을 사용해왔는데, 마지막 두 개인 L.B. Dub Corp와 Planetary는 정말로 구분하기 쉬워요. 모든 것은 머리 공간과 생각하는 방식에 관한 것이에요. L.B. Dub Corp 루트는 다른 삶을 사는 것 같아요. 제 뇌를 통과하는 것과..." *이 인터뷰는 2026년 5월 24일에 Juno Daily에 게시된 원문을 한국어로 번역한 것입니다. [원문 보기](https://www.juno.co.uk/junodaily/2026/05/24/luke-slater-interview-i-want-my-music-to-sound-like-im-hearing-it-on-a-club-soundsystem/)*
인터뷰edmMarc Brauner, 18년 전 베를린과 지금은 다르다
베를린 태생의 프로듀서 Marc Brauner는 지난 10년 동안 하우스, UKG, 브레이크비트와 클럽 음악의 감정적인 영역을 유동적으로 넘나드는 사운드를 구축해왔다. 그의 음반 목록은 깊이 있는 심야 롤러부터 광활한 앰비언트 무드까지 다양하게 펼쳐지며, 항상 드러머의 리듬 감각과 스토리텔러의 분위기 감각에 뿌리를 두고 있다. 마르세유의 Ravanelli Disco Club을 통해 발표한 Did Virgo의 'Dream Alone' 리믹스에서 Brauner는 더 어둡고 프로그레시브한 영역으로 기울어진다. 안개 낀 방과 피크타임 긴장감을 위해 만들어진 스트로브 조명의 비전이다. 이번 인터뷰에서 그는 베를린의 변화하는 클럽 문화, 그의 프로덕션의 감정적 뿌리, 창작적 진솔함의 중요성, 그리고 왜 그를 처음 정의했던 사운드로 다시 돌아가고 있는지에 대해 성찰한다. 'Dream Alone' 리믹스에서 — Did Virgo의 원곡에서 당신을 사로잡은 첫 번째 요소는 무엇이었나요? Marc: "애시드 같은 맥동하는 아르페지오를 들었을 때, 그 주변으로 뭔가를 구축할 수 있다는 걸 알았어요." Ravanelli Disco Club은 강한 마르세유 정체성을 가지고 있습니다. 베를린 아티스트로서 그 세계를 모방하기보다는 무엇을 가져다주고 싶었나요? Marc: "마르세유가 스타일 면에서 베를린과 많은 유사점을 가지고 있다는 느낌을 받았어요. 그래서 제가 항상 전달하려고 하는 것 — 마음에서 우러나는 정직한 작품을 편안하게 전달할 수 있다고 느꼈죠." 리믹스에 접근할 때, 심야의 감정적 끌림과 클럽 플로어의 기능성 중 어느 쪽을 더 생각했나요? 이 버전이 어디에 위치하길 원했나요? Marc: "이번에는 확실히 클럽 기능성을 노렸어요. 스트로브 조명이 있는 어두운 댄스플로어에 사람들과 안개가 가득한 모습을 상상하려고 했죠. 구체적으로 그런 환경에서 작동하길 원했거든요." Did Virgo는 어둠이 내린 후 마르세유의 영화적 로맨스에 대해 이야기합니다. 당신에게 베를린의 등가물은 무엇인가요? 그리고 그것이 당신의 리믹스에 스며들었나요? Marc: "안타깝게도 마르세유에 가본 적이 없어요. 하지만 베를린에서 제 등가물은 Sisyphos에서의 밤 외출일 것 같아요. 그곳에서의 밤들은 확실히 영화 같을 수 있거든요." 파리의 Djoon부터 멕시코의 Sunday Sunday, 브루클린의 House of Yes까지 어디든 연주해봤습니다. 요즘 글로벌 클럽 문화의 정신적 지도에서 베를린은 어디에 위치한다고 보세요? Marc: "태어난 곳이니까 클럽 문화 측면에서 제 도시와 항상 강한 연결을 가질 거예요. 하지만 18년 전 제가 파티를 시작했을 때와는 다른 시대라고 말해야겠네요... 도시가 바뀌고, 사람들이 바뀌고, 음악도 바뀌었고, 저 역시 바뀐 것 같아요. 요즘에는 과거의 일부 클러빙 윤리가 사라졌고, 댄스플로어에서 상호 존중의 가르침도 일부 장소에서는 빠져있는 것 같아요. 하지만 여전히 진정한 베를린 클럽 문화를 경험할 수 있는 곳들이 있어요. 예를 들어 Sisyphos 같은 곳이죠." 베를린은 종종 차갑고, 산업적이고, 기능적인 곳으로 신화화됩니다. 창작적으로 그곳에서 편안함을 느끼나요? Marc: "정확히 그런 차가움과 회색빛에서 벗어나기 위해 3년 전 베를린 외곽으로 이사했어요. 제 삶에 자연을 다시 조금 가져오고 싶었거든요. 하지만 그 전에는 항상 도심에 살았고, 20대에는 그곳에서 창작적으로 편안함을 확실히 느꼈어요. 지금은 33살이고, 자연과 더 연결되고 긴 산책과 숲 하이킹에서 창작성을 찾고 싶다는 충동을 느껴요." 하우스, UKG, 브레이크비트 등을 넘나드는 사람으로서 — 유럽 클럽 문화가 더 혼합적이 되고 있다고 느끼나요, 아니면 도시들이 여전히 고유한 음향 정체성을 고수하고 있나요? Marc: "다행히 요즘에는 장르가 개방되고 클럽들이 댄스플로어에서 더 넓은 범위의 음악을 허용해요. 베를린에서 제가 UKG, 2-step이나 브레이크를 틀면 사람들이 플로어를 떠나던 기억이 나요. 무슨 일이 일어나는지 모르고 아마 어떻게 춤춰야 할지 몰랐을 거예요 하하. 하지만 말했듯이 다행히 그런 시대는 바뀌었어요." 5살에 드럼을 시작했죠. 그 초기 리듬 훈련이 오늘날 당신의 클럽 트랙을 어떻게 형성하나요? Marc: "제 프로덕션에 큰 영향을 미쳐요. 오늘의 제가 될 수 있도록 드럼 레슨에 데려다준 엄마에게 다시 한 번 감사드리고 싶어요." 당신의 음반 목록은 딥 하우스에서 앰비언트, 개러지까지 다양합니다. 모든 프로덕션을 하나로 묶는 실마리는 무엇인가요? Marc: "무드를 창조하는 제 열정이라고 말하고 싶어요. 때로는 한 장르가 좁은 범위의 무드만 제공할 수 있어요. 그래서 제가 원하는 모든 분위기와 사운드스케이프를 창조할 수 있도록 제 자신을 위해 장르를 바꿔야 하는 거죠." 다른 사람의 작품을 리믹스할 때, 당신의 경험 법칙은 무엇인가요: 영혼을 보존하거나 해체해서 재구축하거나? Marc: "해체해서 재구축 100%예요." Houseum, Shall Not Fade, Happiness Therapy 등에서 발표했습니다. 레이블이 창작적으로 당신에게 제공해야 하는 것은 무엇인가요? Marc: "레이블 오너가 개인적으로 당신에게 투자하고 싶다는 충동이 있어야 해요. 당신과 레이블이 모두 크게 성공할 수 있다는 걸 보기 때문에 말이죠. 그래서 레이블이 당신을 믿어야 하고, 당신이 단순히 빈자리를 채우는 존재나 현재 수치가 좋아서 매력적인 존재가 아니라는 느낌을 줘야 해요." 2009년에 하우스를 발견하고 "바로 열정을 찾았다"고 말했습니다. 스위치를 바꾼 트랙이나 순간은 무엇이었나요? Marc: "어려운 질문이네요. 제 단기/장기 기억력이 꽤 망가져서 하하. 하지만 제대로 기억한다면, 'Vince Watson – Moments In Time'이 제게 큰 영향을 미쳤어요." 당신의 음악은 종종 따뜻함과 우울함의 균형을 이룹니다. 그런 감정 팔레트는 어디에서 나오나요? Marc: "제 마음에서 바로 나와요. 저는 감정적인 사람이고, 제 사운드를 통해 그걸 반영하려고 해요." 퍼커션을 연주하고, 힙합을 프로듀싱하고, 하우스로 이동하고, 이제 마르세유 디스코 레이블을 위해 리믹스하고 있습니다. 당신의 사운드를 끊임없이 진화하는 것으로 보나요, 아니면 초기 영향으로 돌아가는 것으로 보나요? Marc: "지금은 2019년 사운드로 돌아가고 있어요. 그때가 제 프로덕션에서 매우 정직한 시기였거든요. 그걸 다시 가져오고 싶어요 — 사람들이 저를 아는 하우스 사운드로 돌아가는 거죠. 그 사이사이에는 항상 다른 장르를 발표하는 사이드 퀘스트들이 있을 거예요." 이번 릴리스는 Black Spuma, JKriv와 함께합니다 — 매우 다른 두 세계죠. 그들의 버전을 들으며 당신 자신의 것을 듣는 방식에 영향을 받았나요? Marc: "아니요, 별로요." 당신의 리믹스를 세 단어로 설명해야 한다면 — 하지만 "club", "deep", "house"는 사용할 수 없다면 — 어떤 단어를 쓰겠나요? Marc: "Dark, proggy, roller." 뉴욕, 파리, 홍콩, 트빌리시, 멕시코시티에서 연주해봤습니다... DJ로서 어떤 도시가 가장 놀라웠나요? Marc: "뉴욕과 홍콩은 미친 경험이었어요. 하지만 2022년 보고타 — DJ Houseum & Ricky Razu와 함께한 Kaputt Club이 적어도 바이브 면에서는 왕관을 차지할 수도 있을 것 같아요." 이상하다는 걸 알지만 절대 바꾸지 않을 프로덕션 습관이 하나 있다면? Marc: "트랙을 하루 안에 완성하려고 노력하는 거예요 — 다음 날에는 같은 에너지를 만들어낼 수 없을 수도 있거든요." 당신 사운드의 다음 행보는 무엇인가요 — 더 감정적으로, 더 기능적으로, 아니면 더 이상한 곳으로 기울고 있나요? Marc: "감정적이고 우울해질 시간이에요 — 'Sad But Ambitious 2'를 할 시간이라는 건 아니지만, 아마 그와 비슷한 뭔가를 할 것 같아요." *이 인터뷰는 2026년 5월 21일에 Ransom Note에 게시된 원문을 한국어로 번역한 것입니다. [원문 보기](https://www.theransomnote.com/music/interviews/changes-an-interview-with-marc-brauner/)*